完整室内施工图纸:关于巴赫《十二平均律》的评论

《十二平均律》挺富哲理的谱子，挺难短期练好的谱子，可是对钢琴练习者挺有帮助的谱子

巴赫的平均律钢琴集是其所有赋格曲中最杰出的作品，也是乐界公认的最高级钢琴材料，被誉为音乐中的"旧约圣经"，它是一部键盘音乐巨作，分为两集，共48首前奏曲和赋格曲，各自具有独立的特性，分别以24个小调写成。是优美绝伦的键盘乐抒情曲集，旋律线条流畅，情绪的流露平稳而含蓄。所谓的十二平均律，是一种律制，即是把一个八度分成相对均等的12个音程，每一个音程规定为半音，两个半音为一个全音。 巴赫的平均律共写了24个大小调（C大调，c小调，升C大调，升c小调，D大调，d小调，降E大调，升d小调，E大调，e小调，F大调，f小调，升F大调，升f小调，G大调，g小调，降A大调，升g小调，A大调，a小调，降B大调，降b小调，B大调，b小调），每一个调都包括了一首前奏曲与一首赋格，所以一共是48首前奏曲与赋格。分上下两卷，分别创作于1722年和1744年。其实平均律并不完全算是巴赫开的先河，早在1702年，费歇尔（约1665-1746）就出版了《新风琴音乐的阿莉阿德尼》，包含二十首前奏曲和赋格曲，分属二十个不同的调。这部作品用了24个大小调中的19个调，只有升C和升F大调，降e，降b和升g小调没有用， 而e小调用了两次。在未采用十二平均律之前， 演奏中移调转调都会受到很大限制。所以说，巴赫的《十二平均律钢琴曲集》，在音乐史上的地位是里程碑式的，当之无愧。平均律作为复调音乐的文献作品，单就技巧上而言，都是难以驾驭的。个人以为，最为基础的音乐感觉，是具备对多声部的敏锐的听觉和良好的手指独立与谐调性。在此之上才能够说是更全面地增强音乐的表现能力。巴洛克音乐的作品，复调音乐的作品，可以说是一切的源头与起点。而巴赫的这套平均律钢琴曲集，无疑是这方面训练的最佳教材。尤其是赋格，在后面的文章将要专门提到；那些三声部四声部，甚至是五声部的赋格，在键盘上构成此起彼伏，交相辉映的旋律走向，是何等神奇的景象！就音乐上而言，巴赫的“平均律”真正是包罗万象，一部令人惊叹的百科全书！所有的情感，欢乐与痛苦，平和与焦虑，光明与阴暗，清新与晦涩……在这整部钢琴曲集中都有最为深刻与详尽的描述。巴赫的音乐不完全是理性的刻板——哪怕表面听来是如此。其实他的所有情感都深藏于底，只以比较内敛的方式呈现出来，朴质又动人。所需要的只是耐心，逐步地走进那奇妙的境界；这是一个十分漫长的过程。也许对于表现技巧，完全没有必要考虑那么多，听者可以仅仅把他当作一种键盘游戏来欣赏；而对于情感，似乎也没有必要揣测，一切进入都是纯粹的自然。听听一开头的那段C大调的前奏曲！简洁而朴素动人！什么都不多想，一种绝对的均衡，流畅的线条，瞬间就把人的心灵荡涤成一片澄明的安详。（然而接下来的四声部赋格则严密而理性）

我一直都很喜欢巴赫的“平均律”，七零八落地买了好几个版本——因为盗版“平均律”经常不全，往往不是漏了上卷就是下卷的一些前奏曲与赋格，为了保持曲目的完整性，所以拼凑了不少，只有菲舍尔的“平均律”是买的正版。对于巴赫的平均律，自由发挥的空间是很大的，号称“净版”，无任何速度、力度和表情的标记符号。所以说，每个人的巴赫都有其自身的可取之处。在钢琴的演奏中，我本人最为偏好Gould和Fischer的，两个比较大的反差：）Gould将robato发挥到了一个极致，独到的分句和触键的音色前所未闻；而Fischer则是我听过的最随意的演绎，他的演奏充满了人性化的气息。

提到平均律，想着重谈谈其中的赋格给我的感觉。因为实在是非常喜欢这样一种体裁，也是各人演绎巴赫最大的分歧之所在。

“赋格”原为拉丁文“fuga”的音译，又有“追逸”、“遁走”的意思。两个甚至更多的声部进行模仿与对答，你追我赶，造成此起彼伏的和谐的旋律线条。其基本特点是运用模仿对位法，使一个简短而富有特性的主题在乐曲的各声部轮流出现一次；然后进入以主题中的部分动机发展而成的“插段”，此后主题及插段又在各个不同的新调上一再出现；直至最后主题再度回至原调，并常以尾声结束。在第二、三部分中，有时运用“增值”、“倒转”、“交迭”等手法处理主题。用“交迭”手法写成的乐段堪称“紧接段”（stretto）。

在巴赫的很多音乐中你可以很明显的感觉到这点，两个声部通常是以五度之差呈示与反复的，例如巴赫的“d小调双小提琴协奏曲”，第一乐章开头，先是第二小提琴奏主题（23456），再次反复时是第一小提琴移高了五度（67123），以赋格的方式竞奏。当然，并不等于说，“平均律”中的“前奏曲”，就是简单流畅的东西。其实前奏曲也有好几种类型，一种是强调的旋律性，快速的流畅的段落，大多使用分解和弦和音阶的形式，例如著名的“C大调第1首前奏曲与赋格（BWV·846）”，“升C大调第3首前奏曲与赋格（BWV·848）”，“D大调第5首前奏曲与赋格（BWV·850）”，听起来随意而即兴。这点， Richter和Fischer都弹得很有感觉；而另外一种，就是同赋格一样，属对位式的，也可像赋格那样，有“镜像”（上下行的对比），“增值”（节奏或音程）和“交迭”（轮唱与模仿）的形式。这方面的例子在“平均律”的下卷非常多，就不一一举了，各位可以自己下去找来听听。

在“平均律”的几个演绎中，我个人就以下几个方面对其特点作简单归纳：

■首先是对节奏、速度与音色的运用。

以“降a小调第18首前奏曲与赋格（BWV·863）”的赋格为例子，可以感觉到Gould以非常缓慢的速度来演奏的，而奇怪的是，在这些段落强调慢速的演奏，但是在类似舞曲的赋格中，他却弹得比谁都要轻盈，短促的音型；可能正因为是对比，舞曲才跳得起来吧。那独树一帜的触键和音色更是没得说的。Fischer的速度是最快的，在所有的前奏曲与赋格的演奏中，他似乎强调的就是一种即兴的一挥而就，不加刻意雕琢的痕迹，浑然天成；

Richter在“升C大调第27首前奏曲与赋格（BWV·872）”中的前奏曲表现独到，这段前奏曲分两个部分，前段被他弹的虚无缥缈，真不知道这样的音色他是如何表现出来的；而后段转了一个Allegro，立即转化为令人振奋的对答（又是一个类似赋格的段落），Richter弹的应该是属于非常诚挚，忠实巴赫原作的感觉。

■其次是对于声部的运用

以前提到过，巴赫的东西，是那种“立面”的思维方式。他的音乐是独立的，甚至可以说是“抽象”的。其中有一个横向（旋律）与纵向（和声）的关系，如何均衡，是精义所在。个人以为巴赫从来就不是靠旋律“优美”见长的音乐家，他的很多东西某种程度上来说甚至是枯燥的。所听到的这些演奏，尤其是Schiff的，对旋律就更加注重一些。他强调的是旋律的横向发展，所以他的演奏听起来就是最为优美动听，也是最为讨好人的一个：）而在下卷，这样的方式，显然对巴赫音乐的表达就不够全面了（个人认为下卷比上卷难以接近得多，更加注重多声部的均衡，就是所谓纵向而非横向了）。当然，无可否认，这是个不错的演绎。毕竟是我买的第一套完整的“平均律”。

而Gould本人是更加注重对声部的运用，强调各个声部各自的独立性，层次感极强--一般来说，三声部以上的赋格，其中必有一个是在充当类似通奏低音的角色；别的演奏家可能更加注重的是旋律的取向，但是我特别喜欢Gould的演奏，是因为他无时不刻地在强调声部这种“均衡”的关系。他演奏出来的音乐，各声部都具有极强的独立性，错落有致；他似乎对多声部的音乐有天生的极度的敏感，经常可听见在手上演奏几个声部的同时，口中还唱着另一个声部。而且那些声部，它们是平等的，Gould时刻提醒它们的存在，哪怕是模仿通奏的低音声部。每个声部都有出来做主角的机会，每个声部都能统领其他的声部。

■最后是关于装饰音的运用

这个很是有趣，巴赫“平均律”里的装饰音非常多，颤音、回音、波音等； Richter听来几乎是省略了所有的装饰音，他把线条尽量整得流畅平实；而Gould则恰恰相反，所有的装饰音他都用尽了，尤其是他特有的“小颤音”，在句末和转折的地方出现，异常灵敏，能够想象Gould是怎样一个神经末梢极度敏感的人啊：）

其实是下了很大决心才发的这篇文章；因为本人乐理方面的知识相当于通了九窍（一窍不通）的那种，提到这些让行家见笑了；只是想借助这个谈谈我个人喜欢的作品，不妥之处，还望多多包涵了……

古尔德：发明巴赫？

古尔德是疯子？怪人？天才？但无论哪一种说法，都在表明这样一个事实：古尔德在二十世纪的钢琴演奏历史上占据着一个极其显要的位置。他不是一个传统意义上的钢琴家，但也不能说是一个反传统的人物，我们只能说，诞生于加拿大的钢琴家古尔德是一位非传统的钢琴家。
从另一个角度看，我们可以把古尔德的演奏艺术定位为一种音乐现代主义。由此而论，在二十世纪音乐演奏的返古并追求客观的强大潮流中，古尔德可算是二十世纪演奏家中最大的叛徒，他32岁放弃音乐会演奏生涯（要知道，这可是李斯特以来的钢琴家的主要生存方式）；他热心于新兴的录音和广播技术，认为这给音乐带来了广阔前景（这显然有点像布莱希特、本雅明等人对技术进步所表示的革命乐观主义）；他破坏了钢琴演奏的一次性的神圣性质，用多次录音合成的方法来制作自己的唱片，并认为这才是艺术的要求（实际上，现在的很多音乐听众也不能接受通过音响合成技术来“制造音乐”）。但仅仅这样说还显得不够，古尔德不仅仅是在破坏、创新，他同时也在恢复和唤醒，他重新引起人们对音的重视、对作品逻辑结构的透视，他的手指速度非常快，但线条清楚，细节都交代得极其清晰，由此他轻易地删除了音乐所附着的历史文化“赘肉”，呈示出音乐的一种透明构成，而这正是西方音乐文化传统中真正特殊的一环，即所谓理性化的形式、毕达哥拉斯以来对数字乃至几何关系的极度推重；也正是在这个意义上，古尔德对复调、对位的强调才能获得理解（我们可以注意到，他多次指责肖邦作品的对位关系）。
对于现代音乐，我们总是强调勋伯格、斯特拉文斯基、韦伯恩等作曲家的意义，但我们可能忽视了古尔德在钢琴演奏上对这些作曲家的呼应关系（请注意古尔德对勋伯格作品的喜爱），更为奇妙的是，古尔德是在古典音乐的巅峰——巴赫作品上呼应着现代音乐，联系到现代音乐后期的“新古典”倾向，就不能不使我们重新考虑古典与现代的复杂关联。加拿大，这个西方文化的边陲地区，使得古尔德没有受到某种传统先见的约束，同时却又保持着对传统的新鲜感受，他曾表示不知道巴赫作品有传统的速度，对于莫扎特、贝多芬、勃拉姆斯等钢琴标准曲目，他常有出人意表的演绎，对作品展开新的探询。他对古典作品的重新构造和他对晚期浪漫派瓦格纳、理查·斯特劳斯的热爱结合在一起，构成了古尔德独特的现代感。
现在，古尔德已被公认是巴赫作品的权威诠释者，——妙的是，所有的乐评家都认为他指下的巴赫乃是离经叛道的演绎，但都又承认这确实是精妙无匹的演奏。古尔德几乎录制了巴赫所有的键盘作品，其中的《戈德堡变奏曲》、《平均律键盘音乐曲集》、《创意曲》都有很高的声誉。他对于乐谱有深刻的洞察力，这一点尤其适合巴赫的音乐，他以天才的敏感和理智透视巴赫作品的复杂结构，领悟其中的优雅活力，这使得他演奏的巴赫总是那么富有歌唱性，跃动的节奏推动着乐曲，流畅而充沛，表情丰富，带有很强的亲和性。在某种程度上，正是古尔德重新发明的巴赫，唤起了二十世纪音乐听众对巴赫的热情，展示出音乐经验和想象力的全新维度。
巴赫的作品常常被人们比喻为一座巍峨的大教堂，它是那样的结构严密、引人入胜，传统的演奏家则仿佛一位导游，引领我们在这座大教堂中漫步；而古尔德却像一位粘上了翅膀的异教神话人物，他带领我们遨游，他打开教堂的门窗，把巴赫呈现为一个恢弘阔大的世界。

我记得看过一则评论，说如果地球再次遭受灭顶之灾，下一艘诺亚方舟上只能载2部人类的钢琴文献，那么一部是《贝多芬32首钢琴奏鸣曲集》另一部就是《巴赫十二平均律》

鄙视到处“复制”，“粘贴”来回答问题的人

我也学了一大课。